Título: La Gioconda, Retrato de Monna Lisa
Artista: Leonardo da Vinci
Cronología: Hacia 1503-1506
Técnica: Óleo sobre tabla

La historia de la Mona Lisa es un misterio. Entre los aspectos que siguen siendo poco claros son la identidad exacta de la modelo que encargó el retrato, el tiempo que Leonardo trabajó en la pintura, el tiempo que se lo guardó, y cómo llegó a estar en la colección real francesa.

El retrato puede haber sido pintado para conmemorar uno de los dos eventos - ya sea cuando Francesco del Giocondo y su esposa compraron su propia casa en 1503, o cuando su segundo hijo, Andrea, nació en diciembre 1502 después de la muerte de una hija en 1499. El delicado velo oscuro que cubre el cabello de Mona Lisa es a veces considerado un velo de luto. De hecho, este tipo de velos fueron usados comúnmente como una marca de la virtud. Su ropa no es nada especial. Ni las mangas amarillas de su vestido, ni su vestido plisado, ni el pañuelo delicadamente drapeados sobre los hombros son signos de estatus aristocrático.

La Mona Lisa es el primer retrato italiano que pone el foco tan de cerca en la modelo en un retrato de medio cuerpo. La pintura es lo suficientemente generosa en sus dimensiones para incluir los brazos y las manos sin que estén tocando el borde. El retrato está pintado para una escala realista en un espacio muy estructurado, donde tiene la misma plenitud de volumen de una escultura de bulto redondo. La figura se muestra de medio cuerpo, desde la cabeza hasta la cintura, sentado en una silla cuyo brazo está descansando sobre balaustres. Ella está apoyando su brazo izquierdo en el brazo de la silla, que se coloca delante de una logia, sugerida por el parapeto detrás de ella y las dos columnas fragmentarias que enmarcan la figura y que forman una "ventana" con vistas sobre el paisaje. La perfección de esta nueva fórmula artística explica su influencia inmediata sobre el arte florentino y lombardo de principios del siglo XVI. Tales aspectos de la obra, como la vista de tres cuartos de una figura contra un paisaje, el entorno arquitectónico y las manos unidas en  primer plano eran ya preexistentes en el retrato flamenco de la segunda mitad del siglo XV, sobre todo en las obras de Hans Memling. Sin embargo, la coherencia espacial, el ilusionismo atmosférico, la monumentalidad y el puro equilibrio de la obra son todos nuevos. De hecho, estos aspectos también eran nuevos en la obra de Leonardo, ya que ninguno de sus retratos anteriores representa tal majestad controlada.

La famosa sonrisa de la Mona Lisa representa a la modelo de la misma manera que las ramas de enebro representan a Ginevra Benci, y el armiño representa a Cecilia Gallerani en sus retratos (en Washington y en Cracovia, respectivamente). Es una representación visual de la idea de felicidad sugerido por la palabra "Gioconda" en italiano. Leonardo hizo de esta idea de felicidad  el motivo central del retrato: es esta idea la que hace tan ideal la obra La naturaleza del paisaje también juega un papel. La media distancia, en el mismo nivel que en el pecho de la modelo, es en colores cálidos. Los hombres viven en este espacio: hay un camino sinuoso y un puente. Este espacio representa la transición entre el espacio de la modelo y la lejanía, donde el paisaje se convierte en un espacio salvaje y deshabitada de rocas y agua que se extiende hasta el horizonte, que Leonardo ha elaborado inteligentemente a nivel de los ojos de la modelo.